Logo de Unreal Tournament, premier du nom.

Avant de parler en détail du jeu en lui-même, j’aimerais vous parler du contexte de la sortie, en faisant un peu d’histoire. Nous sommes en 1995 et deux studios sont très importants dans le domaine du FPS : 3D Realms et id Software. 3d Realms, aujourd’hui disparu, est notamment connu pour sa série Duke Nukem. En 1996, le studio sort Duke Nukem 3D, qui va marquer les esprits non seulement pour l’ambiance du jeu, mais surtout pour la beauté de ses graphismes, absolument magnifiques pour l’époque. De l’autre côté, on a id Software, reconnu comme le père du FPS, à qui l’on doit l’ancêtre Wolfenstein 3D et le mythique Doom (1 et 2). Seulement, après la claque graphique reçue par le Duke, on se demande si id peut encore étonner. Le studio penche alors sur un mystérieux jeu qui se passerait à l’époque médiévale, sur fond de mythologie. Le nom de ce jeu ? Quake.

Lors de sa sortie, en 1996, après Duke Nukem 3D, Quake a totalement changé. C’est un jeu qui se passe maintenant dans un univers de science-fiction, avec aliens à la clé. Le scénario est bancal et convenu, les maps pas très inspirées (même si on retrouve Nine Inch Nails à la musique). Mais Quake est beau. Très beau. Sublime même. Quake apporte une vraie vue à la troisième dimension, des textures magnifiques, de la luminosité en temps réel… Aucun ordinateur de l’époque ne pouvait le faire tourner au maximum de ses options. Et Quake offre un relativement bon mode multijoueur, où l’on peut s’adonner aux joies du frag. Quake est donc une révolution.

L’année suivante (1997 donc), id sort Quake II. Encore plus beau, plus riche, et avec maintenant un scénario un peu plus inspiré et une véritable direction artistique, et toujours un mode multijoueur excellent. En 1997, Quake est une référence à avoir pour les amateurs de jeu de tir. Pour plus d’infos sur l’histoire de Quake, je vous renvoie au très bon article qui se trouve sur le site de Grospixels.

La boîte originale de Quake, sur le site MobyGames

En 1998, un studio du nom d’Epic Games sort un jeu du nom d’Unreal. Jeu qui fera date car doté, lui aussi, de graphismes exceptionnels et d’un scénario très cohérent, mêlant médiéval et science-fiction. Un jeu qui s’est fort bien vendu d’ailleurs, bien que commencé d’être développé avant même la sortie de Quake. Le souci pour Epic, c’est que si le mode solo a excellente presse, le mode multi est, lui, énormément critiqué pour ses bugs et finalement, son peu d’intérêt vis-à-vis de la référence Quake II. Epic va donc commencer à travailler sur une amélioration de ce mode multijoueur, qui va devenir un jeu à part entière. Mais pour Epic, le temps presse…

En effet, le temps presse, car id travaille sur la suite de son jeu phare, à savoir Quake III, qui ne sera au final qu’un jeu exclusivement multijoueur, dans des arènes et sans vraiment de rapport avec l’histoire relatée dans Quake II. Cependant, les développeurs promettent de splendides graphismes et de devenir la référence du FPS multijoueur.

C’est ici que je vais arrêter de parler de Quake. Si les deux jeux sont semblables, il y a quelques différences entre les deux et souvent, soit on est très fan de Quake III, soit on est très fan d’UT. N’ayant pas joué au titre d’id Software, je ne dis plus rien, de peur de dire de grosses bêtises. Néanmoins, ma douce et tendre est fan de Quake III et a écrit un petit article sur le site Geekofeminin, que je vous engage à aller lire !

Le cover art de Unreal Tournament

Unreal Tournament sort donc fin 1999, un petit mois avant Quake III. Les graphismes sont très jolis pour l’époque, mais mois que le titre d’id Software. Par contre, le nombre de cartes (une trentaine) et les modes de jeux vont rapidement en faire un must have, un hit en puissance. Il y a quatre modes de jeu différents : le match à mort (classique), Capture du drapeau (je te vole ton drapeau et le ramène dans la base), Domination (réussir à garder des points de contrôle pour gagner de nombreux points) et Assault (une liste d’objectifs à remplir, il faut le faire plus rapidement que l’équipe adverse).

Le principal point fort d’UT à mon sens, c’est l’accessibililté. Il est très simple de prendre les commandes, de tirer, de se repérer dans les maps (splendides pour la plupart, avec leur propre histoire). C’est un vrai régal. Les armes sont variés et sont relativement faciles à prendre en main. De plus, les matchs ont une dimension très “retransmission télévisée”, avec les désormais classiques “Multituerie, Ultra-tuerie, Carnage !” prononcé d’une voix d’outre-tombe par la voix off. UT, c’est du concentré de fun en barre, car il ne lasse jamais. En cause ? Les bots. Entièrement paramétrables, leur intelligence artificielle est vraiment très bien gérée, ce qui donne des matchs avec du challenge. De plus, il est possible de donner des ordres à chaque membre de son équipe et ces ordres sont, dans l’ensemnle, très bien respectés. C’est un jeu qui offre du challenge au novice comme au joueur confirmé.

Vue en jeu de Unreal Tournament (Source : Meristation)

Pour l’histoire, il y en a quasiment pas et je n’ai pas l’impression qu’elle soit reliée à Unreal. En gros, la corporation Liandri organise dans le futur des matchs où tous les coups sont permis, même la mort de l’adversaire (cependant, un procédé lui permet de ressusciter juste après) et vous devenez devenir le grand champion. Certes, tous les PNJ que vous rencontrerez, les autres équipes, ont un petit background expliqué avant chaque mission, mais c’est très sommaire. Ne vous attendez donc pas à une grande richesse de  scénario.

En revanche, un excellent point est celui de la musique, diversifiée et franchement magnifique. Les morceaux collent vraiment bien à l’ambiance rapide et nerveuse du jeu, c’est une véritable réussite. C’est d’autant plus méritoire que ce n’est pas forcément dans ce genre de jeu que l’on attend de la grande musique. Bref, un excellent point.

En bref, Unreal Tournament est devenu, et reste encore aujourd’hui, un jeu d’exception pour qui aime ce type de jeux. Le genre de titre qui est souvent joué en soirée geek, d’autant qu’il tourne encore bien sur les configurations récentes. J’aimerais bien, d’ailleurs, qu’Epic nous fasse un remake de ce jeu mythique.

Fiche technique :
Unreal Tournament
Développeur : Epic Games
Editeur : GT Interactive, puis Infogrammes
Plateformes : PC, PS2, Dreamcast, Mac, Linux
Première sortie française : décembre 1999

Ancien logo de Kodak. Source : Dvelec

Alors bien sûr, je ne suis pas un photographe professionnel et le seul appareil photo qu’il me reste à la maison, c’est un Panasonic Lumix numérique, qui me suffit bien assez pour les quelques photos que je fais. Mais la fin de Kodak me fait écraser une petite larme, nostalgique que je suis. Parce que Kodak est rattaché à mon enfance et à de nombreux souvenirs.

Il n’est pas question de plaindre Kodak sur sa faillite : ils n’ont pas réussi à prendre le virage du numérique et l’entreprise s’est fait plomber par les nouveaux leaders du secteur : Nikkon, Canon, Sony, Panasonic et j’en passe. Mais voilà, la disparition de Kodak, c’est un évènement important pour beaucoup de monde, à mon avis.

Une pub française vantant la pellicule Kodak Gold. Crédits : INA et la Dépêche du Midi

Dans mon enfance, quand on achetait des pellicules pour notre appareil photo, c’était pour la plupart des Kodak. Je n’ai jamais su pourquoi, mais moi ça m’allait. J’aimais beaucoup la couleur des boîtes des pellicules Kodak, orange avec des liserés de couleur. Et puis, l’attente entre le moment où l’on dépose la pellicule pour la développer et celle où on retourne la chercher au magasin pour voir les photos développées. Bien sûr, pour moi, c’était de la magie et je ne comprenais pas comment on pouvait passer de la pellicule à la photo que j’avais entre les mains.

A cette époque, il y avait trois grands dans les pellicules (en tout cas, dans mes souvenirs) : outre Kodak, il y avait Fujifilm et ses boîtes vertes et Agfa et ses boîtes blanches. Il y avait aussi Polaroid, mais c’était un cas à part et pour moi, Polaroid représentait le grand luxe. Ce qui faisait des magnifiques murs de pellicules avec trois couleurs dominantes chez les revendeurs. Pour le commun des mortels, qui ne se passionnent pas forcément pour la photographie, difficile de savoir quelle pellicule était la meilleure. Et chaque famille avait une marque qu’elle prenait habituellement. Chez nous donc, c’était les pellicules Kodak Gold.

Quelques exemples de pellicules Kodak Gold. (Site : PhotoWeb.ru)

Et puis, il y avait cet accessoire indispensable pour toute sortie d’écolier : l’appareil photo jetable ! C’était si pratique pour les parents. Au moins, on ne confiait pas à la progéniture un vrai appareil qui coûtait cher, avec le risque de le retrouver abîmé, quand il n’était pas perdu. Avec l’appareil photo jetable, les enfants faisaient leurs photos et hop, on développait au retour, tout simplement. Par contre, je vous avoue que je ne me souviens plus du prix d’un appareil photo jetable à l’époque. 60 francs ? 70 francs ? Impossible de me souvenir… Si quelqu’un s’en souvient.

Ainsi donc, une féroce bataille s’engageait lors des sorties d’école entre le Kodak Fun et le QuickSnap de Fujifilm, Agfa étant franchement outsider dans les classes où j’étais. Le plus souvent, pour moi, c’était le Kodak Fun, avec sa couleur orange et rouge s’il était sans flash, orange et bleu s’il avait un flash. Classe nature, classe patrimoine… Les Fun et QuickSnap m’ont accompagnés partout. Le dernier souvenir que j’ai d’un appareil phot jetable, c’était pour mon voyage en Italie en 2002. Et après vérification sur les clichés développés, c’était un Fujifilm.

Un vieil appareil Kodak Fun sans flash, trouvé sur Ferapask.altervista.org

Oui, aujourd’hui, on peut développer facilement et en quelques minutes des clichés avec les appareils numériques. Mais sincèrement, je ne le fais plus vraiment. Mon album photo s’est arrêté vers 2005, date à laquelle on a commencé à prendre exclusivement des photos en numérique. Et finalement, ça manque un peu. Voire beaucoup. Je n’ai jamais eu assez de connaissances pour trancher le sempiternel débat “L’argentique est-il mieux que le numérique ?” (D’ailleurs, quel système a la meilleure qualité d’image ? Merci de me donner un coup de main pour répondre à cette question !) mais à la rigueur je m’en fous. Pour moi, l’argentique, ça représente toute mon enfance.

Kodak est sur son lit de mort et les autres anciens grands de la pellicule se sont reconvertis dans le numérique, soit ont coulé. Avec ce petit article, je voulais parler de ce que Kodak et l’argentique ont symbolisé pour moi, pour mon enfance. Et ça doit être pour ça que je suis triste que Kodak ferme. Pour toutes ces photos ratées, mal cadrées, énigmatiques que j’ai découvert après développement, pour ces albums remplis qui resteront longtemps dans la famille, merci Kodak.

"Kodak, c'était bien !", planche dessinée par Martin Vidberg sur son blog L'actu en patates, le 19 janvier 2012. (http://vidberg.blog.lemonde.fr)

Un sujet vidéoludique pour ce premier article de l’année. Je voulais le faire avant les fêtes de Noël mais je n’ai pas trouvé le temps…  En fait, cet article m’a été inspiré par la présentatrice de l’émission 101% de Nolife, Mima, qui a déclaré, en gros, que les indications d’âge minimum ne sont pas très claires sur les pochettes des jeux vidéo et qu’on risquait de s’y perdre. Au début, je n’étais pas du tout d’accord avec elle, surtout que maintenant qu’il y a de la couleur, les indications sont claires. Mais finalement,  je me rends compte que, pour moi qui baigne dans le jeu vidéo, ces indications sont très claires, mais pour les non-habitués à l’achat de jeu vidéo, c’est bien plus compliqué. Et c’est particulièrement vrai en temps de fêtes, quand les parents ou grand-parents veulent offrir un jeu aux plus jeunes, sans trop savoir comment s’y prendre.

Ainsi, et malgré le fait que je pense que la majorité des lecteurs de ce Blogpaper sont au fait de ces symboles, je vous propose un petit rappel du système de classification du jeu vidéo en France, avec quelques logos pour expliciter tout ça.

En Europe, chaque pays possède un organisme qui permet de classer les jeux vidéo en fonction de l’âge conseillé, afin de pouvoir s’y retrouver sans trop de problème. En France, c’est le SELL, le Syndicat des Editeurs de Logiciels de Loisirs, qui s’en occupe et qui avait un système de pictogrammes qui permettait de s’y retrouver. Il y avait quatre niveaux de classification : “Tous Publics”, “Déconseillé aux moins de 12 ans”, “Déconseillé aux moins de 16 ans”, “Interdit aux moins de 18 ans”. Cette mention était sur la jaquette du jeu, permettant une identification rapide du public visé.

Depuis 2003, les principaux organismes de classification d’Europe se sont accordés sur un système commun à toute l’Europe : le PEGI ou Pan European Game Information. Ainsi, partout en Europe, le même jeu sera identifié par le même pictogramme, ce qui est plus simple, clair et pratique. On dénombre cinq niveau de classification :

Les 5 niveaux de classification PEGI (Souce : Vie de Geek)

- 3 ans et plus : Le jeu est tout mignon et confient à tous
- 7 ans et plus : Ne convient pas aux plus jeunes, mais ça reste doux
- 12 ans et plus : Risque de sang ou alors ce sont des jeu de réflexion où il faut avoir un certain âge pour comprendre les mécanismes du jeu
- 16 ans et plus : Réservé aux plus vieux ados et aux adultes
- 18 ans et plus : Sang, sexe, violence… Ca ne convient pas vraiment aux plus jeunes.

Ce pictogramme est inscrit en gros sur la pochette de tous les jeux vendus en France, permettant à tous les acheteurs de jauger le public visé par le jeu d’un simple coup d’oeil. De plus, les principales enseignes de vente de jeu vidéo et les hypermarchés doivent, depuis un accord passé il y a peu, demander la carte d’identité aux acheteurs de jeux 18+.

Sur le verso de la boîte, se trouvent d’autres pictogrammes, qui sont là pour clarifier le classement du jeu : pourquoi tel soft va écoper d’un classement 18+ ? Pourquoi Adibou et Hello Kitty dans l’île aux aventures a été classé 7+ ? Bref, une panoplie de huit pictogrammes existent, les voici :

Les huit pictogrammes en plus. Trouvé sur le site de EA

- Violence : On se bat, on tue, c’est sanglant…
- Langage grossier : On parle un langage très imagé, avec plein d’insultes et de sous-entendus
- Drogue : On voit des éléphants roses, on achète des substances illicites et on va dans le ciel avec des diamants avec Lucy
- Discrimination : On accrédite les thèses du Front National, et on considère que les blancs sont supérieurs
- Peur : BOUH dans le noir, on s’amuse à s’effrayer
- Jeux de hasard : On fait tourner des roulettes et on montre qu’une quinte flush vaut plus qu’une paire de deux
- Sexe/Nudité : On fait des galipettes et tu vois ce que je veux dire
- Online : Attention, tu risques de rencontrer… d’autres gens

Avec toutes ces indications, vous ne vous tromperez plus sur le public autorisé à jouer à tel ou tel jeu vidéo. Bref, c’est vraiment un outil utile et c’est, à mon sens, important d’avoir un outil unifié à hauteur de l’Europe. Bref, j’espère que ce petit article vous sera utile et vous a intéressé.

- La mise à jour des informations sur la ligne D, avec en prime les noms provisoires des futures stations

- Le lien vers le nouveau site spécial de la CUB sur les travaux du Tramway. Bien plus clair, il y a pas mal de ressources intéressantes dessus, dont les documents d’études pour les travaux qui ne vont pas tarder à commencer. Il ne manque plus qu’un flux RSS et ce sera parfait.

Pour toute autre question, vous n’hésitez pas à laisser un commentaire, je me ferais un plaisir de vous répondre !

Voilà, maintenant, je vais vous laisser pleurer quelques instants sur votre jeunesse perdue… pour ensuite attaquer ce nouvel épisode de “Et pour quelques bits de moins”, consacré au septième jeu le plus vendu sur la plateforme de Sony, j’ai nommé Crash Bandicoot 3 : Warped !

Le retour du marsupial au bazooka à pommes

Comme je suis un gros flemmard (on ne se refait pas), je ne vais pas vous parler de l’histoire de Crash Bandicoot 1 et 2. A la place, je vais faire du piston et vous envoyer sur l’article que ma petite amie a fait à ce sujet et qui se trouve ici. Donc, parlons peu, parlons bien et parlons de l’histoire de ce troisième volet. La station spatiale construite par Néo Cortex s’écrase sur Terre. Ce faisant, le maléfique masque Uka Uka,  qui s’oppose au gentil Aku Aku, ami de Crash Bandicoot, est libéré et va décider une fois de plus d’asservir le monde, aidé tant bien que mal du cher Docteur Cortex. Pour cela, il va s’aider du docteur Nefarious Tropy et de son invention, la Chrono-Tornade, pour aller chercher des cristaux dans les différentes époques, afin d’obtenir beaucoup de puissance. Le but de Crash, de Coco sa soeur et de Aku Aku est bien évidemment de s’emparer des cristaux et de botter les fesses à Cortex et à Uka Uka, et une bonne fois pour toutes si possible !

Encore une fois, dans cet opus, on retrouve ce qui fait le succès de la série : du fun pour commencer. La prise en main est immédiate, les niveaux sont variés et kiffants (je veux dire, se balader sur la Grande Muraille à dos de bébé tigre…). Il faut dire que le parti-pris des développeurs, avec des graphismes plus ou moins cartoon, est vraiment agréable. On voyage en Orient, en Egypte, dans un monde médiéval, chez les dinosaures, dans un mode futuriste… Quelle variété ! Ensuite, c’est le challenge. En effet, il y a trois types principaux de cristaux à récupérer. Les roses sont les plus faciles à attraper : il suffit de finir le niveau et c’est gagné ! Ce sont les seuls cristaux obligatoires dans le jeu, et ça vous permet de finir le jeu… mais pas à 100%. Les seconds, les diamants gris, nécessitent de détruire toutes les caisses des niveaux. J’ai bien dit toutes : TNT et Nitro inclus. Quant au dernier, en forme d’ankh égyptien, il se gagne en finissant les niveaux en battant le record de temps. Au début, c’est très facile, puis après… Enfin, il y avait aussi des diamants de platine, encore plus rares… donc plus difficiles à obtenir !

Si vous comptiez avec ça les niveaux secrets, où il fallait par exemple entrer dans un panneau à moto pour le découvrir… Bref, il y a énormément de challenge dans Warped ! Il en faut du temps pour finir le jeu à 105% ! Mais à quoi ça sert d’avoir tous les cristaux ? Et bien, la fin est légèrement différente. Disons que si vous finissez pas le jeu avec tous les cristaux, ça vous laisse un petit goût d’inachevé… Je n’en dis pas plus, mais si vous voulez vous spoiler, direction YouTube.

Au début, on se dit que c’est super facile, Crash Bandicoot, car on gagne très vite beaucoup de vies ! Mais finalement, on se rend compte qu’on peut les perdre rapidement aussi… Un coup d’un ennemi et hop, on meurt ! Heureusement, c’est là qu’intervient Aku Aku, que j’appelais plus jeune le “Boungaba”. En effet, si vous cassez des caisses avec un dessin d’Aku Aku dessus, vous avez ce gentil masque africain qui vous suit, et se détruit lorsque vous êtes touchez. Vous cassez une deuxième caisse Aku Aku et vous l’aviez encore avec vous ? Et bien, c’est Super Aku Aku, et vous avez deux chances de vous faire toucher avant la mort. Trois caisses ? Et bien, c’est Mega Aku Aku , et vous voilà invincible pour 30 secondes ! Inutile de dire qu’en cas de chute dans un ravin, Aku Aku ne vous sauve pas.

Ah, pourquoi le “Boungaba” ? Parce que quand Aku Aku vient à votre secours, un son de tam-tam se fait entendre ainsi que le mot “boungaba”. Et petit, je pensais que c’était le nom du masque. Donc, c’était monsieur Boungaba !

Pour finir, l’Easter Egg le plus connu est qu’en tapant un code dans le menu principal, vous aviez la démo jouable de Spyro le Dragon, d’Insomniac Games, qui apparaissait ! Il faut savoir qu’à l’époque de Crash, Naughty Dog, les créateurs de Crash, étaient voisins d’Insomniac Games, qui étaient tous deux possédés par Universal Interactive. Ils sont devenus amis à ce moment et, dans pratiquement tous leurs jeux, il y a une référence à l’un ou l’autre des studios. Dans le même esprit, quand Insomniac travaillait sur le premier Ratchet & Clank, le président de Naughty Dog les a appelé et leur a proposé le code de Jak & Daxter, leur série à eux, pour les aider. Et encore aujourd’hui, aide technique et clins d’oeil se retrouvent dans les deux séries sur lesquelles travaillent les deux studios, Resistence pour Insomniac et Uncharted pour Naughty Dog. Un bel exemple d’amitié.

Pour finir, Naughty Dog a réussi un véritable tour de force avec Crash Bandicoot 3 : Warped. Faire un jeu accessible aux plus jeunes, tout en proposant un sérieux challenge aux plus aguerris. Le tout dans un univers génial et déjanté. Un chef d’oeuvre dans sa catégorie.

Fiche technique :
Crash Bandicoot 3 : Warped
Editeurs : Sony Computer Entertainment et Universal Interactive
Développeur : Naughty Dog
Plateforme : Playstation
Un joueur
Date de sortie : 31 octobre 1998 (USA), 13 décembre 1998 (Europe), 17 décembre 1998 (Japon).

P.S. : Rien à voir, mais j’ai retrouvé un site que Sony avait fait en 2006, racontant l’histoire de sa Playstation, avec des “Le savez-vous”, des vidéos et images. Jetez-y donc un coup d’oeil, il y a quelques trucs sympas. Et n’oubliez pas, pour chaque année, il y a plusieurs mois disponibles ! –> History of Playstation

Le principal changement que l’on peut noter, avant de rentrer dans l’album en lui même, c’est le changement de statut d’Anette Olzon, qui était encore “la remplaçante de Tarja” dans Dark Passion Play et qui est, pour Imaginaerum, “la chanteuse de Nightwish”. Il faut avouer que, même pour moi qui suis un fervent fan du Nightwish façon Tarja, Anette s’est très bien débrouillée pour son premier album, permettant un changement intéressant pour le groupe, devant compter sur une voix moins symphonique que celle de Tarja. Un bon premier album et une tournée plus tard, voici Imaginaerum, qui va permettre de confirmer. En tous les cas, on l’espère.

La jaquette (fort jolie) d'Imaginaerum, via Ondes de Rock

Il faut avouer que l’objet en lui même est plutôt joli. Un cover art réussi (alors que bon, les jaquettes de Nightwish sont rarement transcendantes) et un beau digipack (la seule édition proposée à ma FNAC) qui comprend deux disques : le CD en lui-même et un CD comprenant toutes les versions instrumentales. Initiative intéressante. En tout cas, un bel objet à mon goût. Maintenant, parlons de la musique. Je ne ferais pas un résumé piste par piste, mais une impression globale, après ma troisième écoute.

Bon, ne tournons pas autour du pot : je suis plutôt déçu. Vraiment. Je veux dire, les musiques sont pas mal, agréables à écouter, Anette chante bien, aucun souci… Mais que c’est fade. Que c’est convenu. Que c’est déjà écouté. De nombreuses fois, je me suis dit : “Tiens, on dirait Oceanborn… Là, c’est du Once. Ici, c’est plus du Century Child…”. Dommage car certaines musiques ne manquent pas de panache (I want my tears back, The Crow, the owl and the dove, Last ride of the day, même Storytime), mais on a cherché à mixer ces compositions avec des airs déjà entendus dans le passé nightwishien. Quand au classique morceau de plus de 10 minutes…. Autant “The Poet and the Pendulum” dans Dark Passion Play était épique et magnifique, autant dans cet album, “Song of myself” se traîne en longueur et on ne demande qu’une chose : Abrégez ! Et pour la musique de fin, “Imaginaerum”, c’est un bon gros mix instrumental des morceaux de l’album, mais flûte, pas un morceau pour finir un album ! Plus pour finir un film…

Et c’est là où le bât blesse : Nightwish a vraiment conçu cet album comme un bande originale de film, ce qui est à la fois sa grande qualité (une certaine dimension cinématographique) et son plus grand défaut. Ca manque de cohésion, de surprise, d’épique… Bref, ça manque de l’identité de Nightwish, qui s’efface devant les impératifs de composition des musiques de films. Je ne sais pas si je suis très clair… Mais bref, ça manque vraiment de spontanéité et de talent.

Peut-être qu’avec le film, on trouvera que cet album est vraiment parfait. Et en tout honnêteté , il est agréable à écouter, pas mal, comme une BO de film… Mais pas comme un album de Nightwish. Ce qui fait qu’Imaginaerum est dans le bas de ma liste des albums du groupe. Ça résume l’album : bien, mais pas top.

Line-up :
Anette Olzon – Chant
Tuomas Holopainen – Claviers
Marco Hietala – Basse et chant
Emppu Vuorinen – Guitare
Jukka Nevalainen – Batterie

Tracklist :
1. Taikatalvi
2. Storytime
3. Ghost River
4. Slow, Love, Slow
5. I Want My Tears Back
6. Scaretale
7. Arabesque
8. Turn Loose The Mermaids
9. Rest Calm
10. The Crown, The Owl and the Dove
11. Last Ride of the Day
12. Song of Myself
13. Imaginaerum

Label : Nuclear Blast
Sortie : 5 décembre 2011

Ambiance funky et décontractée, bienvenue dans le monde de Tricky !

Tricky est le deuxième opus de SSX, le premier n’étant sorti que sur Playstation 2 (et sur N-Gage aussi, mais ça ne compte pas). Ce qui fait que Tricky est plus une version 1.5 du premier SSX, n’apportant finalement que peu d’évolution. Mais qu’importe ! Pour la Xbox et le Gamecube, cette version Tricky est amplement suffisante.

D’ailleurs, la première modification qu’apporte Tricky, c’est la bande son et notamment, la musique d’ouverture du jeu ! Bonjour à “It’s Tricky”, de Run DMC, qui apporte dès le lancement du jeu un feeling de groove et de fun qui va transparaître dans tout le jeu. Cette chanson va être réutilisée dans quelques chansons dans le jeu. Ce thème sera tellement marquant qu’EA va le remettre dans le futur opus de SSX, qui va sortir en 2012. C’est aussi grâce à cette chanson que SSX Tricky s’appelle ainsi, et non “SSX 2″.

Les deux maîtres mots de SSX Tricky sont ARCADE et FUN. Ne vous attendez pas à une simulation ultra réaliste avec des figures super compliqués et des snowboarders correspondant aux sportifs du championnat réel. Les snowboarders de Tricky sont totalement déjantés et caricaturaux, venant des quatre coins du monde. Par exemple, il y a Eddy l’afro qui adore le disco. Et surtout ma préférée, la petite Kaori, cliché de la Japonaise complètement kawai. Au total, ce sont 12 personnages qu’il faudra upgrader au mieux, pour améliorer leur vitesse, leurs sauts, leur technique, et ainsi apprendre de nouveaux tricks.

Deux modes sont disponibles : Freeride, où le but est de faire le maximum de points grâce aux différents tricks et figures. Quant au mode Alpin, il s’agit d’une course contre d’autres concurrents, où il faut finir premier. Autant dire qu’il faut aller vite ! Ces deux modes sont évidemment disponibles en multijoueur, et ce jeu à deux, est juste génial !

Quelques mots sur le système de jeu. Je l’ai dit, pour gagner des points, il faut faire le maximum de figures, grinds ou slides, qui rapportent un certain nombre de points. Ces derniers peuvent être multipliés en attrapant des étoiles offrant des bonus multiplicateur. Mais ce n’est pas tout. A droite de l’écran de jeu, il y a une barre qui se remplit au fur et à mesure des points amassés, et qui se vide en cas de chute ou si vous ne faites pas assez de figures. Cette barre est la barre de boost, que vous pouvez utiliser tant que votre barre est remplie. Lorsque cette barre est totalement remplie, un gros bouton rouge tourne en haut de la barre. C’est le moment de placer des “Super Trick” ou “Ubertricks”, des tricks plus longs et dangereux (sur Gamecube, on les fait avec le bouton Z). Si vous en réussissez un ou plusieurs, une lettre du mot “Tricky” s’allume. Lorsque tout le mot “Tricky” est illuminé, la barre ne se vide plus, et vous profitez ainsi du boost pour le reste de la course ! Il faut bien voir que les tricks sont relativement faciles à placer, ce qui ajoute au fun immédiat du titre.

Vue générale de l'écran de jeu (via jeuxvideo.com). On y voit les étoiles multiplicatrices et à droite, la barre de boost et le mot Tricky

Le dernier point qui fait que, pour moi, Tricky est le jeu de snowboard ultime, ce sont les circuits. Qu’ils soient classiques ou totalement déjantés, c’est un vrai plaisir d’arpenter les différents environnements proposés. 10 circuits sont au programme et pour moi, trois font vraiment la différence. Garibaldi, qui se trouve au Canada. C’est un circuit assez classique, mais aux multiples possibilités, excellent pour commencer ! Tokyo Megaplex, qui lui est totalement déjanté, avec ses souffleries, ses rails de partout, très technique. Et enfin Untracked, qui consiste en un grand moment de hors-piste, puisque vous êtes lâchés d’un hélicoptère dans la montagne, avec aucun repère au sol. Un grand moment de glisse.

Au final, SSX Tricky est un jeu super convivial, fun tout en étant technique sur les bords, proposant un certain challenge et de grands moments de rire, notamment en mode multijoueurs. Ca ne se prend pas au sérieux et c’est, pour moi, le meilleur opus de SSX paru à ce jour, en attendant le nouveau SSX, prévu l’année prochaine !

Fiche Technique :
SSX Tricky
Développeur : EA Canada
Editeur : EA Sports BIG
1-2 joueurs
Plateformes : Playstation 2, Xbox, Gamecube, Game Boy Advance
Sortie : 5 novembre 2001

Rien ne va plus pour les Ducks d’Anaheim. De l’avis de tous, journalistes, joueurs, fans, ce départ de saison est catastrophique pour la franchise californienne. Que l’on juge plutôt : après 23 matchs, Anaheim n’a gagné que 6 matchs, en a perdu 13, et 4 après le temps réglementaire. Elle se classe ainsi comme avant-dernière équipe de la Ligue, les Blues Jackets de Colombus fermant la marche.

Si l’équipe n’avait aucun bon joueur dans sa composition, cela n’étonnerait personne. Pourtant, la même équipe avait terminé, l’année dernière, quatrième dans la conférence de l’ouest, et Corey Perry, l’un des joueurs phares de la franchisse, obtenait le trophée Hart (Joueur le plus utile à son équipe) et le trophée Maurice-Richard (Plus grand nombre de buts marqués pendant la saison). Perry et le gardien Jonas Hiller, ainsi que le jeune Cam Fowler, étaient en plus sélectionnés pour participer au match des Etoiles de la NHL, à Raleigh, récompensant une saison excellente pour eux. Et je ne parle pas de Bobby Ryan, le capitaine talentueux, de Teemu Selanne, le vétéran valeureux, de Ryan Getzlaf et des autres joueurs qui composent l’équipe.

L'entraîneur Randy Carlyne et Bobby Ryan. Photo : AP pour le journal La Presse

Mais aujourd’hui, les faits sont là, et les statistiques parlent d’elle-même. Le joueur avec les meilleurs stats est Selanne qui, à plus de 40 ans, est le compteur le plus important, avec 8 buts et 14 assistances, avec un différentiel de -3 (Le différentiel est calculé ainsi : si le joueur est sur la glace quand son équipe marque un but, il gagne un point. S’il est présent quand l’équipe encaisse un but, il perd un point). Perry a un différentiel de -10, Getzlaf et Fowler de -13. Quant à Hiller, son taux d’arrêts de 0.897 en fait le 52ème gardien en terme de taux d’arrêts de la Ligue, ce qui est extrêmement faible.

On peut penser qu’Hiller ne s’est pas encore remis de la violente commotion cérébrale qu’il l’a pris depuis le matche des étoiles, lui faisant louper la fin de la saison dernière. Une autre raison peut être l’absence d’un élément clé de la défense, Ludomir Visnovsky, qui est blessé. En tout cas, le bilan de l’équipe n’est vraiment pas flatteur.

La déconvenue des Ducks alimente actuellement les pages hockey des journaux. Le journal La Presse fait un compte-rendu (en français) assez intéressant ici (le chroniqueur Mathias Brunet en parle également ici), tandis que le journal local, The Orange County Register, se demande carrément depuis quand le Honda Center, la patinoire des Ducks, s’est brusquement transformé en Disneyland pour les adversaires d’Anaheim, tellement il est facile pour les équipes visiteuses en Californie de remporter la victoire.

Les solutions qui existent ? Il y en a peu, l’entraîneur ayant l’air d’avoir utilisé toutes ses ficelles, la dernière en date étant de rétrograder Bobby Ryan en troisième ligne. D’ailleurs, il se murmure de plus en plus que Ryan soit échangé dès que possible. Cependant, un nombre grandissant de personnes réclament, eux, la tête de l’entraîneur Carlyne, qui aurait fait son temps en Californie. Il rejoindrait ainsi les entraîneurs des Capitals de Washington et des Hurricaines de la Caroline, congédiés il y a peu.

En tout cas, cette avant-dernière place est incompréhensible pour les Ducks. Les joueurs déclarent vouloir enfin gagner et qu’ils font tout leur possible pour cela. Il ne reste plus qu’à le prouver. Et pourquoi pas dès ce soir, lors du match contre le Canadien de Montréal ?

Pour être tout à fait honnête, je suis un grand grand fan de la saga, de ces jeux qui m’ont vraiment fait voyager. Le 1 fut d’ailleurs l’un des premiers jeux que l’on m’a offert en même temps que la Playstation 1 (le deuxième étant un autre excellent jeu, Gran Turismo premier du nom). Et tout au long des sorties sur la console de Sony, j’ai acquis patiemment (ou je me suis fait offrir) tous les opus de la belle Lara Croft.

Ce que j’appelle “première génération” des Tomb Raider, ce sont les jeux développés par Core Design, c’est-à-dire du 1 au 5, qui représentent pour moi l’âge d’or de la saga. Puis le drame est arrivé, en l’occurrence le sixième opus de la série sur Playstation 2. Je me suis senti trahi et j’ai fait un rejet total de la série (bon, avec le recul, tout n’est pas à jeter dans “L’ange des ténèbres”). Ce qui fait que les trois derniers opus me sont plus ou moins inconnus. J’ai vu deux ou trois niveaux de Legend (qui m’avait semblé bon), j’ai aidé un ami à boucler Anniversary (très bon remake du un) et par contre, je n’ai rien vu du dernier, Underworld. Il faudra donc que je m’y remette.

Donc, pour ce petit best of de cette série, qui tient une place réellement à part dans mon coeur de gamer, j’ai tenté de sélectionner un (et un seul) niveau de chaque opus, en essayant de trouver dès que c’était possible une vidéo sur YouTube. Bien sûr, c’est un choix totalement subjectif, c’est donc pour ça que je vous invite à donner vos avis contraires dans les commentaires !

1-/ Tomb Raider (1996) : La Vallée Perdue
“Grrrrooaaaaaaaaah”

La scénario au moment du niveau :
Lara a été contactée par Jacqueline Natla, présidente de Natla Technologies, pour retrouver un fragment d’une ancienne relique, le Scion des Atlantles. Elle demande à Lara de commencer ses recherches au Pérou. Après avoir fouillé la Cité mythique de Vilcabamba, elle doit traverser une grande vallée afin de trouver l’entrée de la tombe de Qualopec, un ancien souverain atlante.

Pourquoi ce niveau il tue tout ? :
Pour une simple raison, qui tient en un seul mot : LE T-REX ! Imaginez que vous vous baladez au fond de la vallée et d’un coup, une petite musique stresse retentit et d’un coup, surgit devant vous un gros dinosaure et vous, avec vos deux pistolets, vous videz vos chargeurs afin que la créature évite de vous écraser ! C’est un  des niveaux emblématiques de la saga et c’est une de mes premières émotions de gamer.
A noter que je pensais, sur la version PS1, que le ciel était tout noir, et qu’ainsi, on était très profond dans la terre. En fait, Anniversary a rétabli la vérité : le ciel est bleu dans le remake, donc on n’est pas si profond dans la terre.

2-/ Tomb Raider II – La Dague de Xi’an (1997) : Home Sweet Home
“Vous êtes toujours là ?”

Le scénario au moment du niveau :
Bon, je ne peux pas parler du scénario sans spoiler un max. Donc en gros, Lara a fini son aventure, a sauvé le monde et tué le chef de la mafia italienne qui la poursuivait. Elle se repose donc, dans son manoir en Angleterre, la nuit tombée, en examinant la fameuse dague de Xi’an. Oui, mais voila. Les sbires du défunt parrain ne sont pas contents et arrivent dans le manoir pour tuer la belle anglaise. Il faudra donc en découdre pour clore définitivement cette aventure.

Pourquoi ce niveau, je l’aime bien ? :
Une simple raison : FAN SERVICE ! Ce niveau n’est pas le plus recherché, le plus abouti, le plus beau, le plus retords.  De toutes façons, ce Tomb Raider II est probablement le meilleur. Mais jouer Lara en peignoir, avec un fusil à pompe, dans son manoir… C’est un excellent niveau de fin ! Dans la vidéo, vous pouvez voir le niveau en entier. Et ne manquez pas de regarder la cinématique de fin de niveau, incluant une Lara qui va prendre une douche.

3-/ Tomb Raider III – Les Aventures de Lara Croft : La Zone 51
“Elle ne ressemble pas aux autres fanatiques. C’est peut-être une terroriste écolo ?
- Une terroriste en mini-short, t’as raison…”

La situation du scénario à ce moment :
Lara s’était rendue en Inde, pour retrouver un artefact issu d’une ancienne météorite, mentionné par Charles Darwin. Après l’avoir retrouvée, elle fait la rencontre du professeur Mark Willard, qui lui explique qu’il existe trois autres artefacts : un à Londres, un das le Pacifique Sud et le dernier dans la zone 51. Bien évidemment, Lara va partir à leur recherche.

Pourquoi ce niveau, il est bien :
Enfin, Lara sort des ruines antiques et s’attaque à quelque chose d’un peu plus “high-tech” ! Conjugué à la réputation de la Zone 51, ça donne à ce niveau un je-ne-sais-quoi bien jouissif. A noter que j’ai longtemps hésité avec le niveau de Aldwych, à Londres, qui est également un niveau emblématique de la saga.

IV-/ Tomb Raider IV – La Révélation Finale (1999) : KV5
“Vrom. Vrom vrom vrouuuuuuuuuuum !”

Le scénario au début du niveau :
La miss Lara se rend en Egypte et va visiter un tombeau, pour bien l’explorer. Sauf que, la gourde, elle libère l’esprit enfermé du dieu maléfique Seth, qui va prendre possession de son ancien mentor, Werner Von Croy. Et ce dernier va poursuivre Lara, afin de s’en débarrasser.

Pourquoi il me plaît, ce niveau ?
Alors que pourtant, c’est un des plus courts du jeu ? Et bien, je pense que c’est lié à mon expérience d’enfant. Quand j’étais plus petit, j’adorais ce niveau, car on utilisait la Jeep dans un ancien tombeau ! Finalement, ce n’est pas le plus compliqué, mais un moment de détente agréable !

V-/ Tomb Raider V – Sur les traces de Lara Croft (2000) : L’Immeuble VCI/13ème étage
“Il faut jamais avoir affaire à des Anglais complètement fous.”

Où en est le scénario à ce moment-là ?
Dans Tomb Raider V, les amis de Lara se remémorent quatre aventures de la dame, après son enterrement (car Lara est supposée morte à la fin de Tomb Raider IV). Pendant ce temps, Von Croy, rongé par les remords, cherche le corps de l’aventurière. Cette aventure est la dernière du jeu : Lara, il y a quelques années, infiltre l’immeuble de Von Croy Industries pour retrouver un artefact mystérieux, l’Iris…

Pourquoi ce niveau, il est vraiment pas mal ?
Contrairement à beaucoup de fans, j’aime bien Tomb Raider V. S’il révolutionne pas la série il joue son rôle de fan service en proposant des niveaux plutôt pas mal. Et dans ce V, j’ai beaucoup aimé le niveau de la tour VCI, cet environnement de building qui tranche radicalement avec les autres niveaux. Je l’ai trouvé un peu corsé, mais très bien à jouer !

Et ceci conclut ce petit best-of de Tomb Raider. J’espère que cela vous a plu, et j’attends vos commentaires avec votre sélection perso de vos niveaux de Tomb Raider préférés !

Jaquette du jeu, nous montrant les deux héros, Max et Mona. "A Film Noir Love Story", ça qualifie très bien ce jeu.

Vous parler de Max Payne 2, c’est parler d’une oeuvre (oui, j’insiste bien sur ce mot) qui a marqué pour très longtemps ma définition de TPS. Comment vous transmettre la beauté sombre qui s’émane de ce titre et qui reste encore aujourd’hui une référence pour moi ? Je vais tenter de vous en parler et essayer de vous transmettre l’envie de jouer à un jeu qui, même graphiquement daté (et encore…), vous plongera dans un film noir digne des plus grands.

Mais là, vous allez de suis m’arrêter en me disant “Heeeey ! Mais tu nous parle de Max Payne 2, mais on ne connaît pas le 1 ! On ne sais rien sur lui ! Comment veux-tu qu’on comprenne ?”. Vous n’avez pas tout à fait tort, d’autant plus que les évènements de The Fall of Max Payne suivent directement les évènement de Max Payne 1. Cependant, je n’ai jamais touché à Max Payne 1 et pourtant, j’ai réussi à saisir la trame scénaristique du 2. Tout cela parce que les gars de chez Remedy Entertainement ont eu l’intelligence de placer un “Précédemment, dans Max Payne” , dans le menu d’accueil du jeu. Pas de panique donc, il y aura une séance de rattrapage !

Pour faire simple, dans le 1, nous faisons connaissance avec Max Payne, un flic à qui tout réussit, heureux avec sa femme et son enfant, qui travaille dans la police, le plus souvent sous couverture dans la mafia. Sauf que, un soir, lorsqu’il rentre, il voit sa femme et son enfant se faire tuer pratiquement sous ses yeux par des drogués défoncés à une drogue qui fait fureur sur le marché, le “V”. Fou de douleur, il descend les drogués et va essayer de remonter la filière. Le problème, c’est qu’il va découvrir un vaste complot mêlant société secrète et mafia, laissant uniquement des cadavres derrière lui. Ce qui fait penser au lieutenant de police Jim Bravura qu’il est fou dangereux et le proclame “ennemi public numéro 1″. Dans le même temps, Max va croiser Mona Sax, une jolie femme qui, comme lui, a perdu une membre de sa famille proche à cause du “V” et va traquer les responsables. Au cours de ses investigations, Max va comprendre que la mort de sa femme n’est pas si accidentelle que ça…

C’était pour le bref résumé du 1. Dans le 2, qui se déroule trois ans plus tard, Max Payne a été réhabilité et travaille au NYPD sous les ordres de Jim Bravura, et en équipe avec l’incorruptible inspecteur Winterson. Cependant, c’est aussi un homme ravagé par la dépression et l’alcool, ne se remettant pas du meurtre de sa famille. De plus, il s’en veut terriblement d’être tombé amoureux de Mona Sax, réputée criminelle dangereuse et qu’il n’a pas revu depuis les affaires de Max Payne 1. Un soir, Max Payne est appelé en renfort dans un entrepôt où il tombe sur des nettoyeurs d’une société de nettoyage, qui font disparaître des cadavres. Durant cette mission, Max va retomber nez à nez avec Mona, qui va redisparaître pour mieux réapparaître. Pour Max, c’est le début d’une enquête de cauchemar, où tous ses démons vont refaire surface, où des amis vont révéler leur vrai visage et où il devra faire face à ses choix.

C'est avec ces magnifiques dessins qu'est raconté l'histoire de Max Payne 2 entre les niveaux. C'est aussi ainsi que vous sera remémoré l'histoire de Max Payne 1 dans "Précédemment, dans Max Payne". Source : Jeuxvideo.com

Le scénario, c’est le maître mot de Max Payne 2. C’est pour préserver cette ambiance de film noir que l’on a préféré mettre des dessins magnifiques (voir ci-dessus) à la place de cinématiques. Le jeu est en VO sous titrée, et les voix rendent magnifiquement hommage à l’ambiance : elles sont très crédibles, surtout justement la voix de Max, sombre et profonde. Les niveaux traversés sont également, dans leur ensemble, assez sombres : un immeuble en construction, la résidence glauque de Max, l’hôpital, la résidence de Mona… La direction artistique soignée plonge véritablement le joueur dans ce film policier très bien réalisé.

Un petit aparté : souvent dans les niveaux, vous rencontrez des télévisions allumés, qui diffusent plusieurs séries qui se suivent niveau après niveau, de sorte que cela fait des histoires complètes à la fin du jeu. Les deux plus marquantes pour moi sont “Lords & Ladies”, une espèce de Feux de l’Amour dans l’Angleterre victorienne et “Address : Unknow”, qui raconte l’histoire d’un homme qui se transforme en tueur lorsqu’il est possédé par son double maléfique, John Mira. “Address : Unknow” est remarque à plus d’un titre car il semble, certaines fois, suivre la vie de Max Payne. D’autre part, c’est dans les anciens studios où ont été filmés cette série qu’habite Mona Sax, ce qui va donner lieu à des séquences de jeu mémorables.

Outre les séquences “classiques” de jeu (on avance en tirant), d’autres séquences sont jouables dans The Fall of Max Payne : les séquences de cauchemar. Max étant en proie aux cauchemars, on se retrouve dans ceux-ci, devant lutter contre les démons du héros. Intéressantes, ces séquences ont pour but de mieux comprendre Max, et d’une certaine façon de s’attacher à lui, revivant ses moments de doute, d’effroi, de désespoir.

Pour un jeu de 2003, les graphismes n'ont pas trop mal vieilli. (Source : Apometal248)

Côté système de jeu, on va retrouver ce qui fait la base des TPS : le tir et les armes. Un grand nombre d’armes seront proposées tout au long du jeu : Ingram, 9mm, Desert Eagle, M4, AK-47, Cocktail Molotov… Pas d’armures et de boucliers tout au long du jeu, et pas de régénération automatique de la vie, comme on trouve dans les FPS actuels. Il vous faudra trouver des antalgiques disséminés un peu partout dans le niveau pour pouvoir restaurer votre santé. Mais la caractéristique principale de Max Payne 2 est bien son Bullet Time. Cet effet permet de ralentir le temps pendant quelques secondes, vous permettant ainsi de vous débarrasser rapidement de vos ennemis. Loin d’être accessoire, le Bullet Time est vraiment très utile, surtout dans les derniers niveaux de difficulté.

D’ailleurs, les niveaux de difficultés sont au nombre de 3 (en VO : “Detective”, “Hard-Boiled”, “Dead on arrival”). Le changement a son importance car à la fin du jeu en mode “Dead on arrival”, la fin est quelque peu modifiée, juste un peu, mais un changement capital dans le scénario. Deux autres modes de jeu sont présents : la Minute New Yorkaise qui vous impose de finir un niveau le plus rapidement possible et Dead Man Walking qui chronomètre le temps où vous restez vivant face à un nombre impressionnant d’ennemis qui foncent sur vous. Ces modes de jeu sont assez agréables, car le scénario du jeu se finit assez rapidement, en une dizaine d’heures, ce qui est le seul point faible de The Fall of Max Payne.

Un mot enfin de la bande originale. Les musiques accompagnent bien la descente aux enfers de Max, et je ne résiste pas au plaisir de vous mettre le thème principal de Max Payne 2, composé par Jesper Kyd (responsable des OST de Assassin’s Creed), un morceau magnifique, très fort à mon goût.

http://www.youtube.com/watch?v=N5uC_my4Vy4]

Au final, Max Payne 2 – The Fall of Max Payne est un must have, un jeu magnifique pour son ambiance noire et son scénario génial, unique. Par contre, jouez y sur PC ou Xbox, pas sur PS2 parce que le portage sur la console de Sony n’est pas, vraiment pas génial. Maintenant, on attend l’arlésienne Max Payne 3 en espérant que cette suite sera à la hauteur de ses glorieux aînés.

Fiche technique:
Max Payne 2 – The Fall of Max Payne
Développeur : Remedy Entertainement (PC), Rockstar Vienna (Portage Xbox et PS2)
Editeur : Rockstar Games
1 joueur
Sortie : 14 octobre 2003 (PC), 25 novembre 2003 (Xbox), 2 décembre 2003 (PS2)